Lynda Gaudreau

L’artiste est intervenue sur son œuvre hebdomadairement, augmentant chaque fois la surface de sa flaque noire. Celle-ci, presque invisible au début, recouvrait, à la fin du projet, la quasi-totalité du plancher de la galerie. L’interprète occupait l’espace au même titre que les œuvres statiques qui l’entouraient.

Out of Grace

Issu d’une collaboration intime entre la chorégraphe Lynda Gaudreau et la galerie Leonard & Bina Ellen, Out of Grace, présenté à l’automne 2010, est un projet hybride et expérimental aux confins de la chorégraphie et de l’exposition. Lynda Gaudreau a réuni des artistes de la danse et des arts visuels pour aborder des questions sur la performativité et sur le commissariat d’exposition : que serait une exposition commençant en danse et se terminant en arts visuels ? Comment l’aire d’exposition intègre-t-elle la présence du corps, de l’ouverture à la fermeture du lieu et pendant toute la durée du projet ?

Cinq interprètes – Karina Iraola, Marilyne St-Sauveur, Émilie Morin, Amélie Bédard-Gagnon et Anne Thériault – et un ensemble d’interprètes stagiaires ont investi d’une présence singulière chacune des salles de la galerie Leonard & Bina Ellen de Montréal pendant plus d’un mois. Les artistes visuels Yann Pocreau, Aude Moreau, Alexandre David, Chih-Chien Wang et Jérôme Fortin ont réfléchi à la présentation de leurs œuvres dans l’espace de l’exposition pendant les cinq semaines du projet.

En novembre 2012, Lynda Gaudreau a fait une adaptation de Out of Grace pour une partie de la collection permanente du M Museum de Louvain. Le projet a été mis au point dans le contexte d’un laboratoire expérimental avec des étudiants en arts de l’Académie royale des beaux-arts de Bruxelles. Le musée imaginaire d’André Malraux, publié en 1947, servait de point de départ à une réflexion sur l’histoire, la contemporanéité et l’idée de reproduction.

Out of Grace est avant tout un travail de collaboration : opérant au cœur du projet, les éclairagistes Alexandre Pilon-Guay à Montréal, Jan Maertens à Louvain, l’artiste sonore Alexandre St-Onge, le compositeur Matteo Fargion, le chorégraphe invité Marc Vanrunxt et l’assistante de projet Anne Thériault lui ont permis de prendre forme, dans la mesure où chacun l’a lui-même, en quelque sorte, « ­interprété ».

Exploration du « glissement » d’une discipline à l’autre. Durant les 28 jours du projet, alors que la surface d’exposition (mur) est graduellement dépouillée, celle de la danse (plancher) prend vie grâce aux mouvements de l’interprète.

Immense écran faisant penser à un tissage suspendu, l’œuvre est réalisée à partir des couvercles percés de milliers de boîtes de conserve et assemblés à l’aide d’anneaux métalliques. Les mouvements spontanés de la danseuse et des visiteurs animent l’œuvre.

Objet monumental, en partie tableau et en partie banc, qui brouille la frontière entre le sujet et l’objet.
L’interprète joue à la fois le rôle de celui qui regarde et de ce qui est regardé.

Installation formée d’objets tournoyants qui créent des mouvements répétitifs, et d’un système programmé d’enregistrement et de lecture vidéo qui documente l’installation en temps réel, par intervalles. Les visiteurs et les danseurs sont invités à se déplacer dans l’installation et à faire tournoyer les objets. L’espace est ainsi coupé, fouetté par les objets, pendant que la projection vidéo montre les mouvements en cours ou des séquences enregistrées quelques minutes auparavant. La répétition estompe les notions de présent et de passé.

Le musée imaginaire d’André Malraux a servi de référence, mais également son discours en hommage à la Résistance française. Le projet à Louvain a permis de mettre de l’avant le rapport de l’être humain à l’histoire et, plus largement, le rôle de l’art dans le monde. L’artiste, le spectateur peuvent changer le cours des choses.

À Louvain, chaque interprète a créé son propre musée imaginaire et plongeait lui-même dans un processus de création en dialogue avec les œuvres de la collection.